jueves, 6 de noviembre de 2014

Walter Ruttmann


El 27 de abril de 1921, Walter Ruttmann presentó, en la sala Marmorhaus de Berlin, la primera película abstracta, Lichtspiel Opus I, con una banda sonora compuesta expresamente para la ocasión por Max Butting. Tuvo una buena acogida por parte de la crítica y del público.

Lichtspeil Opus I (1921)


Le siguieron otros tres cortometrajes similares, que también tuvieron un gran éxito.  
Lichtspeil Opus II (1921)

Lichtspeil Opus III (1924)

Lichtspeil Opus IV (1925)

Para el director y productor Julius Pinschewer realizó dos anuncios: el muy famoso Der Sieger, para los neumáticos Excelsior de la casa Reifen y Das Wunder, para la casa de licores Kantorowicz.

Der Sieger: Ein Film in Farben (1921) + Das Wunder (1922)




Uno de los momentos álgidos de su carrera está en una secuencia de Die Nibelungen: Siegfried (1924), la película de Fritz Lang, cuando Kriemhild, la reina tiene una pesadilla amenazadora.

Dier Nibelungen: Siegfried (1924) 


Concibió otra pesadilla para la película Lebende Buddhas, de Paul Wegener, en 1923. De esta película se conservan algunos fragmentos, no consecutivos, pero la secuencia de Ruttmann no está entre ellos. Sin embargo, esto le valió poder trabajar en Die Abenteur des Prinzen Achmed (1926), el largometraje de Lotte Reiniger, del que hablaremos en futuras entregas. La colaboración entre Ruttmann y Lotte Reiniger no fue fructífera, ya que el primero estaba abandonando la abstracción para pasar a rodar "documentales rítmicos": la música de las imágenes debía tener vínculos con la historia que se estaba narrando. En 1927 dirigió Berlin, Die Sinfonie der Grosstadt (Berlin, Sinfonía de una ciudad), en cuyo primer minuto el alemán se despide la abstracción. 

Dier Sinfomie der Grosstadt (1927), fragmento inicial


Sinfonía de una gran ciudad muestra las actividades que se realizan en la ciudad, desde la mañana hasta la noche. Esta película ha llegado a editarse en DVD en nuestro país.






Ruttmann continuó con otros documentales rítmicos como Melodie der Welt (1929), para realizar en 1930 Wochende, otro de sus experimentos: cine para el oído. Wochende es una película sin imágenes: el público tomaba asiento, las luces se apagaban, comenzaba a o irse la banda sonora y todo lo que podía ver el espectador era una pantalla en blanco. La película intenta representar el transcurso del fin de semana  de un trabajador a través de una serie de collages sonoros. La representación del mundo del trabajo (conversaciones telefónicas simuladas, recitado de un texto por un niño en la escuela, lectura de una carta por un empresario, ruidos mecánicos), seguido de sonidos que evocan la relajación y el fin de semana (silbidos, coros, niños contentos, animales, las campanas tocando las horas, maullidos de gato, el descorchar una botella). Puede parecer una salida de tono, pero en aquella época tenía su sentido: nótese que la película tiene una duración de once minutos y medio, tiempo imposible de reproducir por los discos de la época, así que la intención original de Wochende era la de emitirse por la radio; incluso en la sala de cine, la idea era la de producir una nueva experiencia auditiva en el oyente. Años más tarde, Wochende sería considerada un antecedente de la música concreta. 

Si tenéis curiosidad, estas tres últimas películas se pueden ver completas a traves de You Tube.

Dier Sinfomie der Grosstadt (1927)


Melodie der Welt (1929)


Wochende (1930)


Estuvo filmando documentales rítmicos hasta 1941, cuando murió de una embolia a causa de las heridas recibidas en el frente como fotógrafo de guerra. Su figura podía haberse hecho más grande, pero fue un intelectual contradictorio, ya que aunque era izquierdista, terminó apoyando incondicionalmente a Hitler: desde 1933 estuvo realizando documentales propangadísticos sobre el régimen nazi y trabajó con Leni Riefenstahl. Tiene huevos la cosa.

martes, 4 de noviembre de 2014

The silver darlings


The silver darlings, Will Morris, Ninth Ediciones, Abril 2014, b/n, 14 €



Dentro de la avalancha de buenos tebeos que se están publicando últimamente en España, Ninth Ediciones (editorial que, entre otras cosas, está haciendo una notable labor con la publicación en castellano de las obras de dos gigantes de la historieta italiana: Sergio Toppi y Atilio Micheluzzi, realizadas por la francesa Mosquito), una de las sorpresas agradables de la temporada fue la primera novela gráfica del británico Will Morris, cuya edición original corre a cargo de Blank Slate Books.

De Will Morris había leído la parte de la novela gráfica colectiva Nelson (Blank Slate Books, 2011, color, 18.99 £, no existe versión en castellano), un extraño proyecto en el que 54 autores de cómic británico entre los que están  nombres tan conocidos como Paul Grist (Kane, Jack Staff), Philip Bond (Los Invisibles), Sean Phillips (Hellblazer, Batman, X-Men), Roger Langridge (El payaso Fred), Duncan Fegredo (colaborador habitual de Peter Milligan en obras del sello Vertigo como Girl o  Enigma), Warren Pleece (Sandman Mistery Theatre, Deadenders, 2020 Visions,también para Vertigo), Garen Ewing (La Orquídea Arco Iris) o la incisiva Possy Simmonds (sus Gemma Bovery y Tamara Drew son obligatorias para cualquiera que le guste esto de los tebeos), por nombrar algunos de los mas conocidos en nuestro país. Cada autor narra un día en la vida de Nel, una chica londinense, desde su nacimiento en 1968 hasta 2011 (de forma que en cada año se narran uno o dos sucesos). A Will Morris le corresponden cinco  páginas en 1999, con Nel está inmersa en una partida de rol en un bosque, por lo que en su momento no saqué nada en claro acerca de este autor.

Así, en 2012 se publica The Silver Darlings. Ambientada en el declive de la industria escocesa del arenque a finales de los años sesenta del pasado siglo, relata las vicisitudes de Danny, un chico que se ve, forzado por las circunstancias, a acompañar a su padre, capitán del Silver Darling, a su primo James y al resto de la tripulación del pesquero, durante la faena de una semana de verano. El título del libro no se ha traducido al castellano ya que "the silver darlings" es el término coloquial que utilizan los pescadores para referirse a los arenques, que en castellano no tiene ninguna equivalencia.

Mucho de lo que se narra en la historia tiene que ver con las diversas percepciones que se tienen del mundo, desde la de Danny, que se corresponde con la del adolescente que observa distante un mundo que está tocando a su fin, lleno de absurdas supersticiones y a la vez rudo y peligroso; pasando por la de su primo, que no se cuestiona lo que hace; y terminado por la del padre de Danny, al que no le queda otro remedio que perseverar en su modo de vida y sus tradiciones y necesita imperiosamente realizar buenas capturas. Con un trazo y una estética muy cercanos al del italiano Gipi, se comprende enseguida que se haya decidido prescindir del color en la obra: los tono grises y las gradaciones resultan mas adecuadas para una historia de este estilo.

Will Morris fue galardonado con el British Comic Award 2013 al autor revelación por esta obra. Habrá que seguir con interés sus siguientes movimientos. Tampoco penséis que se trata de una obra maestra, estamos más bien ante una historia sencilla, afortunadamente sin mucho artificio. Will Morris es muy joven y eso se nota; pero tiene talento, y eso también se nota. 


domingo, 2 de noviembre de 2014

miércoles, 29 de octubre de 2014

Otherdays


Otherdays es un grupo, cuanto menos, esquivo. Son fáciles y difíciles de escuchar a la vez, también me resultan fáciles y difíciles de calificar. Por no poder, no sé si ponerles el adjetivo de grupo nacional o internacional.

En Enero de este año se han autoproducido su disco Architecture. Si queréis escucharlo en streaming, podéis hacerlo en su página. Está formado por Santiago Calvo (voz y más), Guillermo López (guitarra y más), Sergio Negrín (batea y más) y José Manuel Domínguez (teclados y más).

También prepararon un video del tema que abre el disco, Downtown:






Santiago nos ha concedido una extensa entrevista, entrevista que hace tiempo que deberíamos haber publicado y que ahora reproducimos íntegra:

LME: ¿Cuál ha sido vuestra trayectoria hasta ahora?

Santiago: El núcleo original del grupo (José Manuel, Sergio y yo) crecimos en Bruselas y somos españoles. Nuestras familias vinieron a Bruselas a finales de los 80 cuando España entró en la Comunidad Europea, para trabajar en temas relacionados con las instituciones europeas. Así que nos conocimos en la Escuela Europea de Bruselas. En 1992 empezamos a tocar con el nombre de "Blindness", aunque debido a ser autodidactas, nos llevó mucho tiempo el empezar a hacer grabaciones en condiciones. 

En el 1995 la mayoría nos fuímos de Bruselas a estudiar en diferentes universidades pero seguimos tocando juntos en las vacaciones, grabando con un 4-pistas de cassette. En 1998 grabamos un EP, el Montecarlo EP que ya era bastante escuchable y en el 2000 hicimos Senne, un CD completo que, aunque tiene muchos problemas técnicos, es nuestro primer disco serio. Queremos re-editarlo esta vez sin errores técnicos y tengo los archivos multipistas, así que en cuanto tenga un rato libre haré una nueva mezcla. La Senne es el río de Bruselas, pero en el siglo XIX lo cubrieron y ahora es un río subterráneo. Nos pareció una buena metáfora de la realidad oculta debajo de la realidad diaria.

Después de Senne nos dedicamos a bastantes proyectos paralelos. Sergio tocando el saxofón en un grupo de jazz fusión, yo haciendo algunas bandas sonóras y tocando con un grupo belga, Non bis in ídem.

Senne lo grabamos Sergio y yo casi como dúo con el asesoramiento de José Manuel y era un disco muy etéreo y melancólico, así que para el siguiente disco (que sería Architecture) decidimos que el tono sería mucho más luminoso, directo y sin muchos efectos, juntarnos los tres y componer todo juntos a partir de improvisaciones. Así que nos reunimos y poco a poco fueron saliendo canciones de las improvisaciones.

Desafortunadamente, al poco de haber escrito suficientes canciones, Sergio se fué a Suiza unos años, y José Manuel empezó a trabajar en un trabajo que le dejaba muy poco tiempo, así que me encontré con las 10 canciones y sin poder grabarlas bien. Con una fidelidad encomiable al proyecto original -pero muy poco sentido práctico-, decidí continuar el disco siguiendo con exactamente el mismo concepto. Dado que soy un bajista mediocre y que no sé tocar la batería, me llevó mucho tiempo.

Al poco tiempo recluté a Guillermo, un amigo de toda la vida de León -donde vivía mi familia antes de venir a Bruselas- al que le había gustado mucho Senne y que tocaba la guitarra. Encajó de maravilla en la música del grupo, juntos seguimos añadiendo pistas al disco y además dimos un par de conciertos en León, una experiencia muy divertida.

En los últimos años hemos ido teniendo más tiempo y así hemos podido terminar Architecture, tocar todos juntos por primera vez en Mayo de este año y planear proyectos futuros. Tenemos escritos 2 o 3 discos a medio grabar que hemos ido haciendo al mismo tiempo. Ha sido en esta época cuando hemos cambiado de "Blindness" a "Otherdays", porque el nombre original nos parecía demasiado gótico y ya no nos representaba tanto.

LME: ¿Os gusta Bruselas? ¿Pensáis que es un buen lugar para vivir?  ¿Qué pensáis de su escena musical?

Santiago: Bruselas nos encanta.

Para la gente que viene de España, del Mediterráneo, etc. es un sitio bastante chocante porque generalmente hay muy poca gente por la calle, hace bastante frío y llueve mucho. Imagínate una atmósfera tipo Je suis une ville, Exit o Rien qu'a voir, con una especie de languidez y grisaille del mar del Norte (Nota de LME: Je suis une villeExit o Rien quia voir son tres temas de Remué, quinto disco de Dominique A, una de las influencias del grupo). Los primeros años aquí fueron duros porque intentas llevar la misma vida que en España, pero aquí es imposible, así que crecimos pensando que vivíamos en el sitio más aburrido del mundo. Pero en nuestra adolescencia, poco a poco, fuimos descubriendo que debajo de esa aparente normalidad belga había muchas cosas interesantes. Para empezar, es un cruce de caminos desde donde puedes estar al tanto de lo que sucede en el Reino Unido, Francia, Holanda, Alemania... Y luego, poco a poco empezamos a conocer a belgas e ir a los sitios a los que iban ellos. Descubrimos una escena la mar de interesante, desde cafés, centros culturales, revistas musicales, etc.

De la escena musical actual conocemos algo y ahora que estoy de vuelta. Yo sigo la pista a los grupos de Amberes, dEUS y sus mil colaboradores y antiguos miembros. También me gustan An Pierlé, el histriónico Daan, y otros. Pero también hay mucha música electrónica, mucha música contemporánea y hasta algunos clásicos de música antigua (gente como Wieland Kujken que tocó mucho con Jordi Savall). Ahora que he vuelto quiero descubrir muchas más cosas.

LME: ¿Como es que habéis acabado cada viviendo cada uno en un lugar distinto? (Mons, Bruselas, Madrid, …)

Santiago: En general, por temas de estudio y trabajo. Yo he trabajado en Londres hasta hace poco. Sergio ha estudiado y trabajado en Suiza, Barcelona y Bruselas; José Manuel en Madrid y Londres;y Guillermo en A Coruña, Barcelona, Berlín y Madrid.  Así que ahora que estamos todos en Bélgica o España es bastante más práctico para quedar.

LME:  ¿Cual es el proceso que habéis seguido para grabar el disco? ¿Os habéis reunido en algún lugar? ¿Lo habéis realizo de una sola vez?

Santiago: En general, yo soy el encargado de la grabación y mezcla, y todo el proceso es casero. Tengo una tarjeta de sonido que está bien y una colección de micrófonos, instrumentos, etc... Poco a poco he ido aprendiendo a hacerlo mejor, así que nuestras grabaciones han ido mejorando desde un punto de vista técnico (espero).

Architecture lo empezamos a escribir en unas cuatro o cinco sesiones Sergio, José Manuel y yo, y luego una serie innumerable de sesiones en Londres, León y Bruselas. Grabé mucho sólo entre las diferentes reuniones. Normalmente en las vacaciones en León grababa con Guillermo, y José Manuel me visitaba de vez en cuando en Londres y Bruselas.

Como las sesiones duraron tanto, intentamos que todo sonase lo más coherente posible y que se ciñese al concepto original. Así que por eso es un disco que representa más cómo éramos cuando lo escribimos que ahora. La verdad es que si tuviese que volver a empezar lo haría todo más fácil. ¡La fidelidad al concepto está sobrevalorada!

LME: Cantáis todas vuestras canciones en inglés. ¿Por qué habéis tomado esta decisión? Esta claro que el grupo tiene vocación internacional, pero ¿hay mas razones?

Santiago: Empezamos en inglés porque era más fácil cantar cosas muy personales de esa manera y las canciones "sonaban mejor". A estas alturas, es curioso, como he vivido 15 años en el Reino Unido, siempre he trabajado en inglés, mi novia es alemana y en casa también hablamos en inglés, para mí ahora el inglés es más en una lengua normal y ya no tanto una afectación romántica.

Sí nos gustaría escribir en castellano, pero es difícil escribir algo que nos guste, te exiges mucho más en tu propio idioma. Me encantan las letras de alguien como Nacho Vegas o (atención, referencia leonesa) los poemas que canta Amancio Prada, pero por el momento no hemos escrito nada que esté a la altura. Sí que hemos escrito alguna canción en francés, dos de ellas estarán en el disco acústico, y querríamos hacer más.

LME: Si vuestro estilo es el tempo lento y las atmósferas melancólicas ¿por qué no habéis grabado un disco con estas características? En mi opinión, el grupo suena mejor en esas condiciones.

Santiago: Je, je... viene un poco de una reacción hacia Senne y de nuestras maquetas anteriores, queríamos hacer algo diferente. Pero, bueno, es algo que nos atrae mucho y el disco acústico va a tener muchas canciones muy lentas y melancólicas. Por una parte queremos hacer una variedad de estilos, pero por otra parte, tampoco queremos negarnos a la evidencia de que lo lento y melancólico es lo que más nos va.

LME: Vais a pensar que soy otro de esos listillos, pero tengo que preguntarlo…. Seguro que no es la primera vez que os lo dicen, pero sonáis demasiado a U2, no sé si de manera consciente o inconsciente. Y cuando no sonáis a U2, la influencia de dEUS es palpable. He puesto varios discos de dEUS a continuación del vuestro y cada vez me reafirmo más en esta tesis.


Santiago: Sí, sonamos mucho a U2, sobre todo en Architecture, por tema generacional. Nos pillaron sus mejores años (87-93) de lleno, así que es una influencia muy importante. También la tienen Brian Eno y Daniel Lanois, que estuvieron involucrados en esos discos y que al final nos gustan más que U2.

Tienes toda la razón con dEUS, fueron muy importantes para nosotros. Para empezar porque venían de Bélgica, pero también por su mezcla de estilos: juntaban instrumentos acústicos con guitarras distorsionadas, de ahí viene nuestro uso del glockenspiel y la melódica, y veían una continuidad entre el rock, la música contemporánea, el jazz, las bandas sonóras... También me gustaba su falta de miedo. De dEUS salieron varios grupos (Moondog Junior, Kiss my jazz, Zita Swoon) que a mí me encantan y que también me influyeron mucho en la época de Architecture. Y luego la otra influencia principal ha sido Dominique A y la escena francesa en torno a él, Yann Tiersen, Francoiz Breut... Esto se verá más en los discos futuros, creo.

Siempre es difícil evitar que las influencias sean demasiado fuertes. A nosotros por momentos nos cuesta, pero por otra parte de ese diálogo con la música que nos gusta es interesante.

LME: Los instrumentos acústicos que habéis introducido me parecen un gran acierto. Creo que contribuyen muy positivamente a vuestro sonido. Decías que en el disco habéis tratado de "huir de los tratamientos electrónicos y los sintetizadores abstractos” ¿Por qué? No he escuchado ningún tema en esa línea y me he quedado con las ganas.


Santiago: Bueno, por mi parte he hecho dos EPs instrumentales en un estilo mucho más ambiental que quiero sacar dentro de poco. Me encantan la música electónica abstracta y el minimalismo, así que es una influencia que está siempre un poco por detrás.

La razón de la falta de estos sonidos en Architecture, es que en Senne había bastantes más efectos electrónicos y sintetizadores. La influencia de dEUS, Dominique A y Yann Tiersen hizo que me interesara mucho el añadir instrumentos acústicos y atípicos a nuestra música, saliendo un poco de las limitaciones del guitarra-bajo-batería. Así que empece ir a mercadillos y a comprar instrumentos raros: los mercadillos aquí y en Londres están muy bien para eso.

Luego intentamos orquestar las canciones utilizando esos instrumentos. Por ejemplo, el órgano Busilacchio (una especie de acordeón con un ventilador eléctrico en vez de fuelle) en How far, intenta sonar como si fuese una sección de viento. En In the first hour of darkness la idea era utilizarlo con la melódica como si fuera casi una orquesta, un sonido grandioso y lejano. En We can't get married, utilicé un acordeón como base y varios pianos de juguete en la sección final, pero tocando sólo las notas que sonaban afinadas en cada uno de ellos (¡que no eran muchas!).

Down tiene varias pistas de viola tocadas por una amiga y arregladas por nosotros, pero luego lo que suena a contrabajo es un bajo eléctrico tocado con arco (un sonido como industrial, que a mí me gusta mucho, pero que no utiliza casi nadie) y hay otras pistas de mandolina tocada con arco.

Es algo que vamos a seguir haciendo, al mismo tiempo que reintroduciremos sintetizadores y efectos. En el disco acústico hay varias canciones en las que José Manuel toca un sintetizador que tiene en su Ipad y es un sonido que nos gusta mucho, es algo nuevo.

LME: En tanto que el sonido del grupo se ve trabajado y pulido (como se agradece el trabajo vocal del resto del grupo, por ejemplo), por el contrario, se echa en falta algo de variedad en la composición. Ya se sabe, la inspiración llega trabajando. Esto me lleva a una pregunta ¿quien compone? ¿hay un líder o realizáis las canciones entre todos? ¿afecta en algo la distancia geográfica en vuestro proceso compositivo?


Santiago: Yo creo que la falta de variedad en las canciones puede venir un poco del concepto original del disco. Al estar compuestas todas las canciones en el mismo periodo, acaban teniendo un aire de familia. Y luego, una vez más, la fidelidad al concepto hizo que luego no seleccionásemos más las canciones. Si hay algo que he aprendido en este disco es que a veces hay que ser infiel al concepto y hacer lo que sea mejor para el disco.

En general componemos entre todos o, muy a menudo, de dos en dos. Nos encanta el tocar juntos y sacar cosas, luego la persona que canta esa canción termina la letra por su cuenta y estructuramos la canción. Por ejemplo, In the first hour of darkness y How far tienen una estructura que viene completamente de una improvisación, con letras esbozadas. Y luego hay un trabajo de escuchar las maquetas y decidir qué hay ahí.

Guillermo no participó en la composición de Architecture, pero después sí que ha escrito muchas canciones con nosotros, añade otra perspectiva muy interesante.

LME: ¿Por qué vuestro próximo trabajo será un disco en directo?


Santiago: La razón es que nos encanta componer, y nos es relativamente fácil; pero nos cuesta mucho plasmar esas canciones en grabaciones de calidad. Así que tenemos varios discos escritos y, mientras los terminamos de grabar, iremos escribiendo más canciones. Así que se me ocurrió que era una buena idea el grabar canciones en directo, en un formato casi acústico, para poder terminarlas antes.
José Manuel, Guillermo y yo empezamos en León con una sesión de cinco días en 2013, que ya he mezclado y está más o menos lista, y luego hicimos una sesión en Bruselas los cuatro en Mayo de este año, que estoy mezclando y arreglando ahora. Así que es verdad que ha resultado más rápido.

Y luego el tocar en directo, todos juntos pero sin público, ha sido una experiencia muy enriquecedora, mucho más estimulante que la típica grabación pista por pista. Eso sí, va a ser muy diferente a Architecture, con lo que no sabemos que nos dirá el público al que le haya gustado este disco..

Una vez saquemos estos discos ,vamos a acabar uno eléctrico, que ya está compuesto y maquetado, y luego ya veremos, nos gustaría componer los cuatro juntos, y posíblemente tener un componente rítmico más potente...

LME: Por último, me gustaría resaltar que el correcto video de Downtown, presenta, de lejos (no quiero hacer demasiado hincapié en este apartado) cierto tufillo a angustia existencial. Si se reflexiona un poco, algunas partes del resto del disco pecan de lo mismo ¿hay algo de cierto en lo que digo o simplemente percibo erróneamente esta sensación? (a ver si voy a ser yo…)


Santiago: Je, je... Es una interpretación plausible y es verdad que tenemos nuestros momentos existenciales. Downtown habla de una angustia muy real, pero un poco más prosaica. Escribí la letra cuando me fuí a Londres a trabajar en un ministerio británico, y empecé a vivir en barrio muy pobre del sur de Londres. Cada poco había letreros amarillos de la policía en la calle pidiendo testigos de reyertas a navajazos, veías a la gente robando en los supermercados, etc.. Cuando me fuí a otros barrios mejores, viví en pisos muy pequeños, a menudo con ratones, etc.., que es algo que yo sólo conocía de oídas, en plan historias de la posguerra. Además en la sociedad inglesa hay una especie de paranoia generalizada y una impresión de que todo va a peor. Con todo esto yo me preguntaba un poco dónde me había metido y si me valía la pena el trabajo para luego vivir así. Al final, vivir en Londres no ha estado tan mal, pero artísticamente me atraía el plasmar esa impresión subjetiva del primer choque. Así que hay mucha angustia londinense en Downtown y en varias canciones más.

Y luego en esa época estábamos tomando muchas decisiones sobre qué estudiar, donde vivir, donde trabajar. Así que hay una preocupación generalizada en las canciones con estos temas. De ahí el titulo Architecture, porque casi todas las canciones hablan un poco de tomar grandes decisiones que luego afectarán al resto de tu vida.


LME: Y así llegamos al final de la entrevista. El propio Santiago afirma que todavía quedan unos meses para terminar su nuevo disco en directo. Después de haber escuchado muchas veces Architecture, he llegado a la conclusión de que Otherdays todavía tiene que llegar a obtener su propia y verdadera identidad, cosa que seguro llegará en breve, debido a su constancia, su capacidad y sus ganas de hacer música de calidad. No, puede que Architecture no convenza del todo, pero yo quiero estar en lugar al que se dirige Otherdays, sí. Seguro.

Para terminar, una versión de La valse boite, un tema de Dominique A, que Santiago grabo a medias con su hermana:







Santiago: La valse boite fue un capricho de fan, me apetecía escuchar esa canción con una producción más parecida a la que Dominique A hizo en la época de Auguri o sus colaboraciones con Yann Tiersen, que me gusta más que la producción de la época Si je connais Harry/La mémoire neuve. Es verdad que la canto más contenido. Yo siempre he tendido a hacer esas voces con notas agudas extremas y con este tipo de canciones más chancon no hace falta gritar. Es un aspecto que seguiremos explorando en las canciones nuevas.



domingo, 26 de octubre de 2014

El hombre de al lado






Con ocasión de la exposición que se celebró en el CaixaForum Recoletos de Madrid dedicada a Le Corbusier durante los pasados meses de 2014 me acerqué a su librería y allí, inesperadamente, encontré el DVD de esta película. Una vez que leí que estaba rodada en la Casa Curuchet, en La Plata (Argentina), la única construcción del arquitecto francés edificada en Sudamérica, decidí hacerme con él. Dado que en el enorme atlas de Jean-Louis Cohen (Le Corbusier, An Atlas of Modern Landscapes, Thames & Hudson, 2013), catálogo de la exposición del MoMA de Nueva York que luego se ha traído a Madrid y Barcelona, no contiene ni una sola fotografía de esta construcción (y no es el único caso, por cierto), así que pensé que era una buena manera de poder conocerla en detalle...

El hombre de al lado se realizó en 2009. Los lectores asiduos de La Mirada Estrábica (de existir algún ser vivo que se pueda incluir en tal categoría) sabéis que desde el principio de este milenio vengo dando fe de la calificación que otorga la crítica española a todas las películas que llegan a estrenarse en las salas comerciales. Como no recordada haber leído ni oído nada acerca de esta película he tenido que echar mano del archivo. Finalmente, la he encontrado entre los estrenos del 2011, en la posición número 66, con una puntuación final de 4'16 puntos. Suspensa. La verdad es que la razón de este suspenso se debe, fundamentalmente, a la baja calificación que la otorga Juan Carlos Rentero en su crítica de Todos los estrenos 2011 (Madrid, Ediciones JC, 2011), donde obtiene una nota de un dos sobre cinco. 

Ni que decir tiene que si estoy escribiendo este artículo a estas alturas es porque me parece que la cinta lo merece. Dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, dúo de directores y productores argentinos de los que no tenía referencia alguna. Por lo que he podido leer hasta ahora, una pareja a tener en cuenta.

Al grano, El hombre de al lado merece que se la preste atención. No sólo por el entorno en el que está rodado y por la magnífica interpretación de sus dos personajes principales, Leonardo, diseñador refinado, burgués, de prestigio internacional (interpretado por Rafael Spregelburd), y su vulgar vecino Víctor (encarnado por Daniel Aráoz). Toda la cinta supura trabajo: desde los créditos iniciales a los títulos finales. Está llena de ironía y de crítica hacia los entornos del arte, de su entorno y de los propios artistas. No se queda ahí: continua criticando a determinados segmentos de la sociedad, a su forma de convivencia, la educación, el civismo).

La fotografía, la decoración, todo el atrezzo está sumamente cuidado. Por poner defectos, puede que la cinta a veces titubee en su ritmo, y si se observa con cuidado, puede que haya algunos desajustes menores en el guión. 

A Juan Carlos Rentero, lo que le revienta la película, fundamentalmente  (aunque no de forma exclusiva, toda la fase final le parece decepcionante) es el desenlace, al que tilda de lamentable. Incluso llega a decir que sus directores se lo quitan de encima, sin más reflexión. Efectivamente, puede que no sea el mejor de los posibles. Puede que tenga razón al suspender al conjunto, no lo sé. Pero si sé que un mal final no arruina una buena travesía, y creo que quizás el castigo con el que arremete contra la película sea excesivo. A mí, desde luego, me ha parecido interesante, original, fresca y divertida. Hoy en día, creo que eso es mucho, ¿no? 

Un consejo: no veáis el trailer hasta después de haber visto la película completa (o se os chafará una de las secuencias más graciosas de todo el largometraje).