miércoles, 29 de octubre de 2014

Otherdays


Otherdays es un grupo, cuanto menos, esquivo. Son fáciles y difíciles de escuchar a la vez, también me resultan fáciles y difíciles de calificar. Por no poder, no sé si ponerles el adjetivo de grupo nacional o internacional.

En Enero de este año se han autoproducido su disco Architecture. Si queréis escucharlo en streaming, podéis hacerlo en su página. Está formado por Santiago Calvo (voz, guitarra, bajo, glockenspiel y batería), Guillermo López (guitarra), Sergio Negrín (voz) y José Manuel Domínguez (percusión).

También prepararon un video del tema que abre el disco, Downtown:






Santiago nos ha concedido una extensa entrevista, entrevista que hace tiempo que deberíamos haber publicado y que ahora reproducimos íntegra:

LME: ¿Cuál ha sido vuestra trayectoria hasta ahora?

Santiago: El núcleo del grupo (José Manuel, Sergio y yo) crecimos en Bruselas y somos españoles. Nuestras familias vinieron a Bruselas a finales de los 80 cuando España entró en la Comunidad Europea, para trabajar en temas relacionados con las instituciones europeas. Así que nos conocimos en la Escuela Europea de Bruselas. En 1992 empezamos a tocar con el nombre de "Blindness", aunque debido a ser autodidactas, nos llevó mucho tiempo el empezar a hacer grabaciones en condiciones. 

En el 1995 la mayoría nos fuímos de Bruselas a estudiar en diferentes universidades pero seguimos tocando juntos en las vacaciones, grabando con un 4-pistas de cassette. En 1998 grabamos un EP, el Montecarlo EP que ya era bastante escuchable y en el 2000 hicimos Senne, un CD completo que, aunque tiene muchos problemas técnicos, es nuestro primer disco serio. Queremos re-editarlo esta vez sin errores técnicos y tengo los archivos multipistas, así que en cuanto tenga un rato libre haré una nueva mezcla. La Senne es el río de Bruselas, pero en el siglo XIX lo cubrieron y ahora es un río subterráneo. Nos pareció una buena metáfora de la realidad oculta debajo de la realidad diaria.

Después de Senne nos dedicamos a bastantes proyectos paralelos. Sergio tocando el saxofón en un grupo de jazz fusión, yo haciendo algunas bandas sonóras y tocando con un grupo belga, Non bis in ídem.

Senne lo grabamos Sergio y yo casi como dúo y era un disco muy etéreo y melancólico, así que para el siguiente disco (que sería Architecture) decidimos que el tono sería mucho más luminoso, directo y sin muchos efectos, juntarnos los tres y componer todo juntos a partir de improvisaciones. Así que nos reunimos y poco a poco fueron saliendo canciones de las improvisaciones.

Desafortunadamente, al poco de haber escrito suficientes canciones, Sergio se fué a Suiza unos años, y José Manuel empezó a trabajar en un trabajo que le dejaba muy poco tiempo, así que me encontré con las 10 canciones y sin grupo. Con una fidelidad encomiable al proyecto original -pero muy poco sentido práctico-, decidí continuar el disco siguiendo con exactamente el mismo concepto. Dado que soy un bajista mediocre y que no sé tocar la batería, me llevó mucho tiempo.

Al poco tiempo recluté a Guillermo, un amigo de toda la vida de León -donde vivía mi familia antes de venir a Bruselas- al que le había gustado mucho Senne y que tocaba la guitarra. Juntos seguimos añadiendo pistas al disco y además dimos un par de conciertos en León, una experiencia muy divertida.

En los últimos años Jose Manuel y Sergio se han ido reincorporando y así hemos podido terminar Architecture, tocar todos juntos por primera vez en Mayo de este año y planear proyectos futuros. Tenemos escritos 2 o 3 discos a medio grabar que hemos ido haciendo al mismo tiempo. Ha sido en esta época cuando hemos cambiado de "Blindness" a "Otherdays", porque el nombre original nos parecía demasiado gótico y ya no nos representaba tanto.

LME: ¿Os gusta Bruselas? ¿Pensáis que es un buen lugar para vivir?  ¿Qué pensáis de su escena musical?

Santiago: Bruselas nos encanta.

Para la gente que viene de España, del Mediterráneo, etc. es un sitio bastante chocante porque generalmente hay muy poca gente por la calle, hace bastante frío y llueve mucho. Imagínate una atmósfera tipo Je suis une ville, Exit o Rien qu'a voir, con una especie de languidez y grisaille del mar del Norte (Nota de LME: Je suis une villeExit o Rien quia voir son tres temas de Remué, quinto disco de Dominique A, una de las influencias del grupo). Los primeros años aquí fueron duros porque intentas llevar la misma vida que en España, pero aquí es imposible, así que crecimos pensando que vivíamos en el sitio más aburrido del mundo. Pero en nuestra adolescencia, poco a poco, fuimos descubriendo que debajo de esa aparente normalidad belga había muchas cosas interesantes. Para empezar, es un cruce de caminos desde donde puedes estar al tanto de lo que sucede en el Reino Unido, Francia, Holanda, Alemania... Y luego, poco a poco empezamos a conocer a belgas e ir a los sitios a los que iban ellos. Descubrimos una escena la mar de interesante, desde cafés, centros culturales, revistas musicales, etc.

De la escena musical actual conocemos algo y ahora que estoy de vuelta. Yo sigo la pista a los grupos de Amberes, dEUS y sus mil colaboradores y antiguos miembros. También me gustan An Pierlé, el histriónico Daan, y otros. Pero también hay mucha música electrónica, mucha música contemporánea y hasta algunos clásicos de música antigua (gente como Wieland Kujken que tocó mucho con Jordi Savall). Ahora que he vuelto quiero descubrir muchas más cosas.

LME: ¿Como es que habéis acabado cada viviendo cada uno en un lugar distinto? (Mons, Bruselas, Madrid, …)

Santiago: En general, por temas de estudio y trabajo. Yo he trabajado en Londres hasta hace poco. Sergio ha estudiado y trabajado en Suiza, Barcelona y Bruselas; José Manuel en Madrid y Londres;y Guillermo en A Coruña, Barcelona, Berlín y Madrid.  Así que ahora que estamos todos en Bélgica o España es bastante más práctico para quedar.

LME:  ¿Cual es el proceso que habéis seguido para grabar el disco? ¿Os habéis reunido en algún lugar? ¿Lo habéis realizo de una sola vez?

Santiago: En general, yo soy el encargado de la grabación y mezcla, y todo el proceso es casero. Tengo una tarjeta de sonido que está bien y una colección de micrófonos, instrumentos, etc... Poco a poco he ido aprendiendo a hacerlo mejor, así que nuestras grabaciones han ido mejorando desde un punto de vista técnico (espero).

Architecture lo empezamos a escribir en unas cuatro o cinco sesiones Sergio, José Manuel y yo, y luego una serie innumerable de sesiones en Londres, León y Bruselas. Grabé mucho sólo entre las diferentes reuniones. Normalmente en las vacaciones en León grababa con Guillermo, y José Manuel me visitó varias veces en Londres.

Como las sesiones duraron tanto, intentamos que todo sonase lo más coherente posible y que se ciñese al concepto original. Así que por eso es un disco que representa más cómo éramos cuando lo escribimos que ahora. La verdad es que si tuviese que volver a empezar lo haría todo más fácil. ¡La fidelidad al concepto está sobrevalorada!

LME: Cantáis todas vuestras canciones en inglés. ¿Por qué habéis tomado esta decisión? Esta claro que el grupo tiene vocación internacional, pero ¿hay mas razones?

Santiago: Empezamos en inglés porque era más fácil cantar cosas muy personales de esa manera y las canciones "sonaban mejor". A estas alturas, es curioso, como he vivido 15 años en el Reino Unido, siempre he trabajado en inglés, mi novia es alemana y en casa también hablamos en inglés, para mí ahora el inglés es más en una lengua normal y ya no tanto una afectación romántica.

Sí nos gustaría escribir en castellano, pero es difícil escribir algo que nos guste, te exiges mucho más en tu propio idioma. Me encantan las letras de alguien como Nacho Vegas o (atención, referencia viejuna y leonesa) los poemas que canta Amancio Prada, pero por el momento no hemos escrito nada que esté a la altura. Sí que hemos escrito alguna canción en francés, dos de ellas estarán en el disco acústico, y querríamos hacer más.

LME: Si vuestro estilo es el tempo lento y las atmósferas melancólicas ¿por qué no habéis grabado un disco con estas características? En mi opinión, el grupo suena mejor en esas condiciones.

Santiago: Je, je... viene un poco de una reacción hacia Senne y de nuestras maquetas anteriores, queríamos hacer algo diferente. Pero, bueno, es algo que nos atrae mucho y el disco acústico va a tener muchas canciones muy lentas y melancólicas. Por una parte queremos hacer una variedad de estilos, pero por otra parte, tampoco queremos negarnos a la evidencia de que lo lento y melancólico es lo que más nos va.

LME: Vais a pensar que soy otro de esos listillos, pero tengo que preguntarlo…. Seguro que no es la primera vez que os lo dicen, pero sonáis demasiado a U2, no sé si de manera consciente o inconsciente. Y cuando no sonáis a U2, la influencia de dEUS es palpable. He puesto varios discos de dEUS a continuación del vuestro y cada vez me reafirmo más en esta tesis.


Santiago: Sí, sonamos mucho a U2, sobre todo en Architecture, por tema generacional. Nos pillaron sus mejores años (87-93) de lleno, así que es una influencia muy importante. También la tienen Brian Eno y Daniel Lanois, que estuvieron involucrados en esos discos y que al final nos gustan más que U2.

Tienes toda la razón con dEUS, fueron muy importantes para nosotros. Para empezar porque venían de Bélgica, pero también por su mezcla de estilos: juntaban instrumentos acústicos con guitarras distorsionadas, de ahí viene nuestro uso del glockenspiel y la melódica, y veían una continuidad entre el rock, la música contemporánea, el jazz, las bandas sonóras... También me gustaba su falta de miedo. De dEUS salieron varios grupos (Moondog Junior, Kiss my jazz, Zita Swoon) que a mí me encantan y que también me influyeron mucho en la época de Architecture. Y luego la otra influencia principal ha sido Dominique A y la escena francesa en torno a él, Yann Tiersen, Francoiz Breut... Esto se verá más en los discos futuros, creo.

Siempre es difícil evitar que las influencias sean demasiado fuertes. A nosotros por momentos nos cuesta, pero por otra parte de ese diálogo con la música que nos gusta es interesante.

LME: Los instrumentos acústicos que habéis introducido me parecen un gran acierto. Creo que contribuyen muy positivamente a vuestro sonido. Decías que en el disco habéis tratado de "huir de los tratamientos electrónicos y los sintetizadores abstractos” ¿Por qué? No he escuchado ningún tema en esa línea y me he quedado con las ganas.


Santiago: Bueno, por mi parte he hecho dos EPs instrumentales en un estilo mucho más ambiental que quiero sacar dentro de poco. Me encantan la música electónica abstracta y el minimalismo, así que es una influencia que está siempre un poco por detrás.

La razón de la falta de estos sonidos en Architecture, es que en Senne había bastantes más efectos electrónicos y sintetizadores. La influencia de dEUS, Dominique A y Yann Tiersen hizo que me interesara mucho el añadir instrumentos acústicos y atípicos a nuestra música, saliendo un poco de las limitaciones del guitarra-bajo-batería. Así que empece ir a mercadillos y a comprar instrumentos raros: los mercadillos aquí y en Londres están muy bien para eso.

Luego intentamos orquestar las canciones utilizando esos instrumentos. Por ejemplo, el órgano Busilacchio (una especie de acordeón con un ventilador eléctrico en vez de fuelle) en How far, intenta sonar como si fuese una sección de viento. En In the first hour of darkness la idea era utilizarlo con la melódica como si fuera casi una orquesta, un sonido grandioso y lejano. En We can't get married, utilicé un acordeón como base y varios pianos de juguete en la sección final, pero tocando sólo las notas que sonaban afinadas en cada uno de ellos (¡que no eran muchas!).

Down tiene varias pistas de viola tocadas por una amiga, pero luego lo que suena a contrabajo es un bajo eléctrico tocado con arco (un sonido como industrial, que a mí me gusta mucho, pero que no utiliza casi nadie) y hay otras pistas de mandolina tocada con arco.

Es algo que vamos a seguir haciendo, al mismo tiempo que reintroduciremos sintetizadores y efectos. En el disco acústico hay varias canciones en las que José Manuel toca un sintetizador que tiene en su Ipad y es un sonido que nos gusta.

LME: En tanto que el sonido del grupo se ve trabajado y pulido (como se agradece el trabajo vocal del resto del grupo, por ejemplo), por el contrario, se echa en falta algo de variedad en la composición. Ya se sabe, la inspiración llega trabajando. Esto me lleva a una pregunta ¿quien compone? ¿hay un líder o realizáis las canciones entre todos? ¿afecta en algo la distancia geográfica en vuestro proceso compositivo?


Santiago: Yo creo que la falta de variedad en las canciones puede venir un poco del concepto original del disco. Al estar compuestas todas las canciones en el mismo periodo, acaban teniendo un aire de familia. Y luego, una vez más, la fidelidad al concepto hizo que luego no seleccionásemos más las canciones. Si hay algo que he aprendido en este disco es que a veces hay que ser infiel al concepto y hacer lo que sea mejor para el disco.

En general componemos entre todos o, muy a menudo, de dos en dos. Nos encanta el tocar juntos y sacar cosas, luego la persona que canta esa canción termina la letra por su cuenta y estructuramos la canción. Por ejemplo, In the first hour of darkness y How far tienen una estructura que viene completamente de una improvisación, con letras esbozadas. Y luego hay un trabajo de escuchar las maquetas y decidir qué hay ahí.

Guillermo no participó en la composición de Architecture, pero después sí que ha escrito muchas canciones con nosotros, añade otra perspectiva que es interesante.

LME: ¿Por qué vuestro próximo trabajo será un disco en directo?


Santiago: La razón es que nos encanta componer, y nos es relativamente fácil; pero nos cuesta mucho plasmar esas canciones en grabaciones de calidad. Así que tenemos varios discos escritos y, mientras los terminamos de grabar, iremos escribiendo más canciones. Así que se me ocurrió que era una buena idea el grabar canciones en directo, en un formato casi acústico, para poder terminarlas antes.
José Manuel, Guillermo y yo empezamos en León con una sesión de cinco días en 2013, que ya he mezclado y está más o menos lista, y luego hicimos una sesión en Bruselas los cuatro en Mayo de este año, que estoy mezclando y arreglando ahora. Así que es verdad que ha resultado más rápido.

Y luego el tocar en directo, todos juntos pero sin público, ha sido una experiencia muy enriquecedora, mucho más estimulante que la típica grabación pista por pista. Eso sí, va a ser muy diferente a Architecture, con lo que no sabemos que nos dirá el público al que le haya gustado este disco..

Una vez saquemos estos discos ,vamos a acabar uno eléctrico, que ya está compuesto y maquetado, y luego ya veremos, nos gustaría componer los cuatro juntos, y posíblemente tener un componente rítmico más potente...

LME: Por último, me gustaría resaltar que el correcto video de Downtown, presenta, de lejos (no quiero hacer demasiado hincapié en este apartado) cierto tufillo a angustia existencial. Si se reflexiona un poco, algunas partes del resto del disco pecan de lo mismo ¿hay algo de cierto en lo que digo o simplemente percibo erróneamente esta sensación? (a ver si voy a ser yo…)


Santiago: Je, je... Es una interpretación plausible y es verdad que tenemos nuestros momentos existenciales. Downtown habla de una angustia muy real, pero un poco más prosaica. Escribí la letra cuando me fuí a Londres a trabajar en un ministerio británico, y empecé a vivir en barrio muy pobre del sur de Londres. Cada poco había letreros amarillos de la policía en la calle pidiendo testigos de reyertas a navajazos, veías a la gente robando en los supermercados, etc.. Cuando me fuí a otros barrios mejores, viví en pisos muy pequeños, a menudo con ratones, etc.., que es algo que yo sólo conocía de oídas, en plan historias de la posguerra. Además en la sociedad inglesa hay una especie de paranoia generalizada y una impresión de que todo va a peor. Con todo esto yo me preguntaba un poco dónde me había metido y si me valía la pena el trabajo para luego vivir así. Así que hay mucha angustia londinense en Downtown y en varias canciones más.

Y luego en esa época estábamos tomando muchas decisiones sobre qué estudiar, donde vivir, donde trabajar. Así que hay una preocupación generalizada en las canciones con estos temas. De ahí el titulo Architecture, porque casi todas las canciones hablan un poco de tomar grandes decisiones que luego afectarán al resto de tu vida.


LME: Y así llegamos al final de la entrevista. El propio Santiago afirma que todavía quedan unos meses para terminar su nuevo disco en directo. Después de haber escuchado muchas veces Architecture, he llegado a la conclusión de que Otherdays todavía tiene que llegar a obtener su propia y verdadera identidad, cosa que seguro llegará en breve, debido a su constancia, su capacidad y sus ganas de hacer música de calidad. No, puede que Architecture no convenza del todo, pero yo quiero estar en lugar al que se dirige Otherdays, sí. Seguro.

Para terminar, una versión de La valse boite, un tema de Dominique A, que Santiago grabo a medias con su hermana:







Santiago: La valse boite fue un capricho de fan, me apetecía escuchar esa canción con una producción más parecida a la que Dominique A hizo en la época de Auguri o sus colaboraciones con Yann Tiersen, que me gusta más que la producción de la época Si je connais Harry/La mémoire neuve. Es verdad que la canto más contenido. Yo siempre he tendido a hacer esas voces con notas agudas extremas y con este tipo de canciones más chancon no hace falta gritar. Es un aspecto que seguiremos explorando en las canciones nuevas.



domingo, 26 de octubre de 2014

El hombre de al lado






Con ocasión de la exposición que se celebró en el CaixaForum Recoletos de Madrid dedicada a Le Corbusier durante los pasados meses de 2014 me acerqué a su librería y allí, inesperadamente, encontré el DVD de esta película. Una vez que leí que estaba rodada en la Casa Curuchet, en La Plata (Argentina), la única construcción del arquitecto francés edificada en Sudamérica, decidí hacerme con él. Dado que en el enorme atlas de Jean-Louis Cohen (Le Corbusier, An Atlas of Modern Landscapes, Thames & Hudson, 2013), catálogo de la exposición del MoMA de Nueva York que luego se ha traído a Madrid y Barcelona, no contiene ni una sola fotografía de esta construcción (y no es el único caso, por cierto), así que pensé que era una buena manera de poder conocerla en detalle...

El hombre de al lado se realizó en 2009. Los lectores asiduos de La Mirada Estrábica (de existir algún ser vivo que se pueda incluir en tal categoría) sabéis que desde el principio de este milenio vengo dando fe de la calificación que otorga la crítica española a todas las películas que llegan a estrenarse en las salas comerciales. Como no recordada haber leído ni oído nada acerca de esta película he tenido que echar mano del archivo. Finalmente, la he encontrado entre los estrenos del 2011, en la posición número 66, con una puntuación final de 4'16 puntos. Suspensa. La verdad es que la razón de este suspenso se debe, fundamentalmente, a la baja calificación que la otorga Juan Carlos Rentero en su crítica de Todos los estrenos 2011 (Madrid, Ediciones JC, 2011), donde obtiene una nota de un dos sobre cinco. 

Ni que decir tiene que si estoy escribiendo este artículo a estas alturas es porque me parece que la cinta lo merece. Dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, dúo de directores y productores argentinos de los que no tenía referencia alguna. Por lo que he podido leer hasta ahora, una pareja a tener en cuenta.

Al grano, El hombre de al lado merece que se la preste atención. No sólo por el entorno en el que está rodado y por la magnífica interpretación de sus dos personajes principales, Leonardo, diseñador refinado, burgués, de prestigio internacional (interpretado por Rafael Spregelburd), y su vulgar vecino Víctor (encarnado por Daniel Aráoz). Toda la cinta supura trabajo: desde los créditos iniciales a los títulos finales. Está llena de ironía y de crítica hacia los entornos del arte, de su entorno y de los propios artistas. No se queda ahí: continua criticando a determinados segmentos de la sociedad, a su forma de convivencia, la educación, el civismo).

La fotografía, la decoración, todo el atrezzo está sumamente cuidado. Por poner defectos, puede que la cinta a veces titubee en su ritmo, y si se observa con cuidado, puede que haya algunos desajustes menores en el guión. 

A Juan Carlos Rentero, lo que le revienta la película, fundamentalmente  (aunque no de forma exclusiva, toda la fase final le parece decepcionante) es el desenlace, al que tilda de lamentable. Incluso llega a decir que sus directores se lo quitan de encima, sin más reflexión. Efectivamente, puede que no sea el mejor de los posibles. Puede que tenga razón al suspender al conjunto, no lo sé. Pero si sé que un mal final no arruina una buena travesía, y creo que quizás el castigo con el que arremete contra la película sea excesivo. A mí, desde luego, me ha parecido interesante, original, fresca y divertida. Hoy en día, creo que eso es mucho, ¿no? 

Un consejo: no veáis el trailer hasta después de haber visto la película completa (o se os chafará una de las secuencias más graciosas de todo el largometraje).

viernes, 5 de septiembre de 2014

Knock, Knock!


El miércoles tuve la oportunidad de ver una exposición única. En la galería Javier López se terminaba de exponer Knock, knock!, una selección de obras que reunía una muestra del trabajo de cuarenta artistas e ilustradores, nacionales e internacionales, algunos de los cuales exponían por primera vez en España. Como se explica la nota de prensa: "La exposición reflexiona sobre la influencia y evolución del cómic como manifestación artística y gráfica así como la vasta relación entre el ámbito del cómic y el arte contemporáneo. El cómic muchas veces categorizado injustamente como arte menor, lleva muchos años evidenciando la magnífica calidad de grandes artistas, con un nivel en la producción que no se corresponde con su reconocimiento social."

Para los aficionados al cómic, el contenido era, a priori, totalmente atractivo. La selección cubría bastantes aspectos: en cuanto a estilos, desde el underground americano hasta los modernísimos belgas; diferentes nacionalidades (de hasta cuatro continentes) y estilos. En la planta superior exponían ilustradores y artistas plásticos (se les coló Mattotti, que mejor debería estar abajo) y en la inferior los dibujantes de cómic (donde también se colaron ilustradores como Pablo Peña, OPS, El Roto y Pelucas). Nada mejor que observar la primera planta dos veces, antes y después de ver la segunda, para que hasta el mas profano de los observadores notase la influencia del cómic en las obras que se exponían arriba.



La exposición se inauguró el 26 de junio y, como he dicho antes, se clausuró el 3 de septiembre. A pesar de que me comentaron que la afluencia de público había sido buena, no puedo dejar de pasar por alto varias cosas: la primera es que, a pesar de seguir bastante de cerca el mundo de las exposiciones de arte, incluidas las que se celebran en las innumerables galerías que hay en Madrid, no tenía noticia alguna de ella recibida por mis canales de información habitual; la segunda, siguiendo todavía mas de cerca el mundo del cómic, también se me había pasado (y eso que los canales de información son totalmente distintos). Me hace mucha gracia: en el Museo Thyssen-Bornemisza todavía se está celebrando la exposición Mitos del Pop, buena exposición, pero con el inconveniente de que su contenido está mas que manido para los que no sean profanos en el tema; en el museo Reina Sofia hay otra dedicada a Richard Hamilton, que todavía no he visto (cuento los días para ir a verla), pero cuyo alcance, obviamente, debe ser más limitado, y resulta que la exposición fetén casi se me escapa. En cualquier caso, esta exposición intenta sacudirse el cliché de que la relación entre cómic y arte se ha manifestado sólo a través de las corrientes del arte pop, y buena prueba de ellos es la inclusión de determinados artistas de ambos bandos que no pueden inscribirse en ese movimiento. 


Todavía me resulta mas gracioso cuando pienso en las exposiciones que se organizan con ocasión de los salones del Cómic, en especial las que organiza Ficomic en Madrid. Espero que los organizadores se hayan pasado por aquí, a ver si les salen los colores, porque no hay comparación que se resista (el año pasado salvaron la cara de milagro, gracias al Museo ABC y su 12 nombres imprescindibles para la prehistoria del cómic español, que era la única exposición reseñable). Lean, lean la lista de autores de cómic que contaban con representación en Knock, Knock!: Lorenzo Mattotti, Brecht Evens, Moebius, Brecht Vandenbroucke (el año pasado comenté su espléndida obra White Cube), Art Spiegelman, Chris Ware, Daniel Clowes, Robert Crumb, Charles Burns, Joost Swarte, Gary Panter (en castellano, sólo conozco que se haya editado del norteamericano La invasión de los  Elvis Zombies por la editorial Arrebato),  José Muñoz y Anke Feutchtenberger (a esta última sólo la he podido leer en castellano hace años en  la revista NSLM), con un total de 35  originales. Quizás se hubiese podido completar con algún japonés como Suehiro Maruo, algo más del último cómic francés o incluso alguna versión superheróica que cuadrase (Paul Pope o  Mike Allred), y sobre todo verdadero cómic español, por poner algún pero. Sin embargo, como comentaban los propios galeristas, bastante complicado había resultado ya el asunto,

Las imágenes las he extraído de la web oficial de la galería, dado que las obras están sujetas a copyright. Os recomiendo que entréis en ella y las observéis con detalle. No es lo mismo que ver los originales, pero os hacéis una idea. Están prácticamente todas (aunque de memoria, echo en falta varias de Chris Ware).

Por lo que he visto, en el mundillo del cómic la exposición apenas ha tenido repercusión. Veo una aséptica reproducción de la nota de prensa en Entrecomics, sin ningún comentario añadido. En los blogs de arte, sin embargo, he podido encontrar numerosas reseñas.  Así vamos mal: parece que el cómic es mas interesante para los artistas que para los propios aficionados al cómic.

En cualquier caso, esperemos que la iniciativa se repita en el futuro. Sustrato no falta.

martes, 8 de abril de 2014

The Stranglers en Madrid



Tuve que ir sólo porque ningún amigo quiso venir conmigo. Corría el año 1978 y yo iba todavía iba a colegio de curas. A lo mejor por eso no tenía amigos que quisieran acompañarme. Todavía era el teatro Alcalá Palace. La gira era por la presentación de su segundo disco, posiblemente en uno de los momentos más álgidos de popularidad del grupo. No vi ni a críticos ni a periodistas por allí. Todavía quedaban dos años para el concierto de los Ramones en la fiesta del PCE. 

Los teloneros fueron un grupo punk, 999. Me compré allí mismo uno de sus primeros singles (Me and me desire/Crazy). 

Medio aforo. Un sonido impecable. ¿Esto del punk no iba de gente que no sabía tocar? La gente se comportaba de manera educada, podías bailar o quedarte sentado en tu butaca. Quedé tan impactado por el concierto que ese mismo fin de semana comencé a vender mis discos de rock progresivo y hard rock que llevaba afanosamente coleccionando una eternidad, para poder reunir dinero y comprarme discos nuevos. Ese era mi tiempo y no el de aquellos melenudos lisérgicos, ya pasados de moda.

Los de Pink Floyd no los vendí, porque eran de mis padres. "I hate Pink Floyd" lucía Johnny Rotten en su camiseta. Animals ya olía. No pude evitar sentir mucha lástima cuando salió The Wall. Empezaron a ser realmente populares. No como los cuatro tíos raros estos. El Popular 1 de ese mes pondría a caldo a The Stranglers

Después de su segundo disco, les perdí la pista un tiempo. Las noticias de sus broncas y peleas no me agradaban. Su fama como grupo camorrista no paraba de crecer. El video de Nice' n' Sleazy es un portento. Eso era actitud y no la de las viejos rockeros que no se morían ni a tiros (ni los cantautores, dicho sea de paso).  Eso son cortes de manga. 


Como ya ha pasado otras veces, un error en el precio de su cuarto disco, The Raven, me reconcilió totalmente con ellos. Injustamente valorado por la crítica, es un disco fundamental de aquellos años. Ni siquiera a precio de saldo consiguió venderse. 

Ya no les dejé hasta que se volvieron aburridos y vulgares a finales de los ochenta, después de una serie de discos maravillosos. Casi me marché a la par que Hugh Cornwell. 

Hasta el verano pasado no volví a interesarme por ellos. A pesar de que han permanecido juntos como banda, la música que hacían no me decía nada. La nostalgia me pudo y me hice con el álbum en directo Acoustic in Brugge (2012).  Es interesante, teniendo en cuenta que aproximadamente la mitad del disco está compuesto por canciones de su época post-Cornwell.

Volví a ver a The Stranglers en directo por segunda vez el jueves pasado. Sala Shoko (una discoteca de la calle Toledo en la que nunca había estado). Bastante gente, aun sin estar lleno. Mucho ambiente en la zona VIP. Ora Stranglers, Ora Hombres G. La gente guapa es así.

El caso es que he agradecido este concierto. Tenía muchas dudas y muchos reparos. Me causaba cierto respeto el que la imagen que tengo de ellos se viniese abajo. Incluso estuve a punto de decir a mi hermana que  no iba cuando me propuso esa misma tarde ir a verlos. Ya se encargó mi hija mayor de quitarme los reparos y arrastrarme con ella al concierto. Mi segunda hija se puso echa una furia al día siguiente, por no haberla avisado. No sabía que eran tan conocidos entre los jóvenes de hoy en día. De hecho, pocos jóvenes vi en la sala.

Sólo actuaron dos de los cuatro miembros que vi actuar en el Alcalá-Palace: 
  • un Jean-Jacques Burnel totalmente rapado (cual Dominique A, los chistes fáciles son odiosos), pero lleno de energía, en muy buena forma diría yo, y que me sorprendió gratamente.  Sigue cantando muy bien, para tener más de sesenta castañas. Gordos nos hemos puesto los dos con los años, así que dejaremos este tema.
  • Dave Greenfield. Físicamente se le ve muy desmejorado (ya son 65 años), pero el hombre estaba animado y sus teclados seguían sonando como siempre. 

Parece ser que Jet Black, el batería titular, no aguanta las giras enteras desde hace algún tiempo (tiene 75 años). Su presencia es esporádica y sólo se le ve en algunos buses. Jean-Jacques Burnel ya ha comentado que "cuando ya no pueda contribuir -y eso será dentro de poco tiempo- ya no habrá más Stranglers".

El caso es que sus éxitos me encantaron, claro. Pero lo que más me sorprendió es que donde pusieron mas tesón y empeño fue cuando tocaron las canciones de sus dos primeros discos. Peaches, Something Better Change,  Hanging Around. ¡Qué emoción recordar esos temas en vivo! Y con Nice' n' Sleazy no paré de hacer cortes de mangas. Nadie pareció entederme.

Hoy tocaban en el Olimpia de Paris (de hecho la gira termina el 21 de Abril). He podido ver el concierto en directo a través de Internet ya que lo retransmitía Arte TV. Si pincháis aquí podréis disfrutar de él. No os lo perdáis. Dura casi dos horas y han tocado canciones que no sonaron en Madrid (por ejemplo, La Folie). Mejor sonido, mejor escenario. Retransmitido en directo por una cadena de televisión. En vivo. Igualito que aquí, que lo único que sabemos es ir a los conciertos de los Rolling Stones. Por cierto, ¿irán ya con andador?...

Os incluyo también una lista de Spotify con la selección, a mi juicio, de las mejores canciones del grupo. La tenéis disponible en la columna de la derecha.

martes, 11 de marzo de 2014

Guía del arte románico en la Borgoña: Abbaye Saint-Germain d'Auxerre

Antes de visitar el románico de la Borgoña comenzaremos hablando de arte carolingio, dada su influencia para el nacimiento de aquel. El arte carolingio se extiende durante un periodo de 120 años, entre 780 y 900, durante el reinado de Carlomagno y sus herederos directos, periodo generalmente conocido como el renacimiento carolingio.

El modelo de monasterio que nace con el arte carolingio es sobre el que se basará el futuro monasterio benedictino de Cluny, que es el que definirá la estructura de los monasterios románicos.

No me voy a enrollar aquí con los pormenores de esta evolución, ya que no resulta difícil encontrar abundante información acerca de ella. Así pues, me limitaré a reseñar los hechos más importantes: Carlomagno fijó que los monjes, los depositarios  que el escogió para preservar la cultura, se rigiesen por la Regla de San Benito de Nursia (uno de cuyos principales preceptos de ese conjunto de normas era el famoso ora et labora). En tiempos de su hijo Luis el Piadoso, San Benito de Aniane consiguió implantar la regla en la mayoría de los monasterios carolingios y de aquí surgió la orden benedictina, que fue hasta el siglo II la única orden con la que se fueron rigiendo los distintos monasterios que surgieron posteriormente.

A semejanza de Justiniano, Carlomagno situó la corte en un sitio fijo: la ciudad palatina de Aquisgrán (la actual Aachen, como la llaman los alemanes hoy en día). En el interior de su catedral se encientan los restos de la basílica donde se encuentra su trono y es el lugar es donde está enterrado. También es el único edificio que se conserva de todos los que ordenó construir.

En el campo de la arquitectura, uno de los logros notables del periodo carolingio fue la recuperación de las técnicas para construir con piedra, técnicas perdidas desde la caída del Imperio Romano. Uno de los documentos más importantes es el plano de Sant-Gall (Suiza), en el cual se puede ver como unos monjes del siglo IX realizaron un proyecto de un monasterio con una iglesia ablacial en su núcleo.

El ejemplo más antiguos de este tipo de iglesia sería el del monasterio de Céntula, actualmente abadía de San Ricario (Saint-Riquier), en la región francesa de Picardia, y que fue terminada en el año 799. Actualmente, dicha iglesia no existe, ya que fue destruida por los normandos en el siglo IX.

Iglesia del Monasterio de Céntula. Grabado de Paul Petau de 1613 según un manuscrito del siglo XI, muestra tres iglesias unidas por galerías.
En su presbiterio occidental, el altar mayor, al que se accedía a través de algunos escalones, se levantaba la cripta, una construcción abovedada que abarcaba el conjunto del presbiterio, en cuyo interior se podía circular. No era un edificio subterráneo, sino una construcción bajo el altar en que se guardaban las reliquias para que pudiesen ser veneradas.

En aquella época, el número de santos crecía constantemente; los milagros se producían en sus sepulcros, y como consecuencia de ello se formaban importantes caminos de peregrinación, lo que llevaba consigo una considerable fuente de ingresos para estos monasterios. Las criptas obedecían a la la necesidad de poder guiar a las corrientes de peregrinos de manera que no se produjera ninguna obstrucción entre los que entraban y los que salían, además de conseguir que no se estorbase la liturgia de los monjes.

Esto nos lleva al primer emplazamiento de la Borgoña a visitar: la Abadía de Saint-Germain de Auxerre.


Abbaye Saint-Germain d'Auxerre




Es el vestigio más preciado, en lo que a Borgoña se refiere, del arte prerrománico. La abadía, situada en el corazón del casco viejo de Auxerre, a orillas del Yonne, fue ordenada edificar alrededor de la tumba de Saint-Germain,  por Clotilde, esposa del rey Clodoveo, primer rey cristiano de los francos. Saint Germain fue mentor de San Patricio y obispo de Auxerre, e hizo que durante la Edad Media la ciudad fuera un importante centro religioso, que atraía peregrinos de toda Europa, que tuvo su renombre debido a su escuela de filosofía hasta el siglo XVI, en que es tomada por los hugonotes. La nave principal de la abadía es de la época de Saint-Germain (siglo V), mientras que de la época de Clotilde (siglo VI) son las naves laterales. Alrededor de este cuerpo central están el deambulatorio y los oratorios del siglo IX, que conservan gran parte de su decoración pintada. 

La cripta, que puede verse en una visita guiada, contiene alguno de los mejores ejemplos de arquitectura carlinga que pueden verse hoy en día. Formada en sus cimientos por varias partes dispuestas de modo confuso, es una cripta exterior con rotonda axial. El centro lo constituye la tumba del santo, un espacio pequeño de tres naves, cuyas tres líneas paralelas de alquitares de roble son soportadas por dos columnas cada una. 

Sarcófago de Saint-Germain

Entre los frescos de la galería exterior, los mas antiguos de Francia, hay que destacar el que ilustra el Martirio de San Esteban. Los frescos fueron pintados entre la fecha en la que se terminó la iglesia (el año 849) y el tercer cuarto del siglo IX. Estas pinturas fueron descubiertas en 1927 y se encuentran en buen estado de conservación, por lo que pude imaginarse el colorido original (se emplearon tonos rojos, ocres, blancos grisáceos y verdes grisáceos), el trazo de los contornos de las figuras y también la composición. En ellas, se perciben influencias de las antiguas pinturas de las catacumbas romanas y de algunas composiciones observadas en los mosaicos de la Iglesia de Santa María la Mayor, en Roma.  Sobre las columnas pintadas se ven muestras florales en el intradós del arco y en el cinturón de la bóveda; las pinturas del martirio de San Esteban se encuentran bajo la rodela del arco. 

Parte norte de a cripta, donde se hayan los frescos

La cripta también conserva sarcófagos de la misma época, pertenecientes a obispos de Auxerre. La abadía fue reconstruida en los siglos XIII al XV, pero en 1811 resultaron destruidas algunas arcadas de la nave. Fuera, separado del edificio por una remodelación sufrida a raíz de un incendio, hay un bello campanario románico (tour St. Jean) rematado con una flecha de piedra. Frente a la iglesía hay restos de la muralla ablacial fortificada, que data de 1320, con recios muros y torres cilíndricas.





Musée d'Art et d'Historie:

La abadía alberga también un pequeño museo. Contiene piezas encontradas en las excavaciones de la zona, con piezas galorromanas,  aunque lo más interesante es que permite la visita a algunas habitaciones del convento como las habitaciones del abad (siglo XVIII), el claustro (siglo XVII) la bodega (siglo XIV), la sacristía y la sala capitular (siglo XII) y varias salas y dormitorios. 

Con la entrada al museo se puede visitar también el museo Leblanc-Duvernoy, instalado en una antigua residencia burguesa del siglo XVIII, con colecciones de cerámica italiana y griega, mobiliario y tapices de Beauvais del siglo XVIII, cerámicas locales de la zona de La Puisaye y lienzos de los siglos XVIII al XX.


Museo Leblanc-Duvernoy
Para terminar, al norte, en el número 98 de la Rue de Paris está la capilla de las Visitadoras (Chapelle des Visitandines), de estilo clásico (jesuita del siglo XVIII), que alberga una colección de esculturas de madera policromada, realizadas por el artista François Brochet (influenciado por Le Corbusier). A este mismo escultor pertenecen las estatuas de extraños personajes situadas en diversos puntos de la ciudad (por ejemplo, el Cadet Rouselle, en la fuente de la plaza Charles Surugue o Marie Noël, poetisa de Auxerre, en la torre del reloj).

Chapelle des Visitadines

La estauta de Cadet Roussel en la plaza Charles Suruge, donde se pueden ver las fachadas de las casas de entramado

Información para la visita:
Abadía:

Dirección: 2bis pl. St.-Germain, Auxerre

Horarios de visita:
Del 1 de Octubre al 30 de Abril: 10:00-12:00 y 14:00-17:00
Del 1 de Mayo al 30 de Septiembre: 9:45-18:45
Martes y festivos, cerrado. Cerrado el 1 y 8 de Mayo, 1 y 11 de Noviembre, 25 de Diciembre, 1 de Enero.

Visita guiada a la cripta (45 minutos, salidas a cada hora en punto): 4,60 € (menores de 16 años, gratis). Primer domingo de mes, gratis. Última visita una hora antes del cierre. De 12:00 a 14:00 no hay visitas guiadas.

Teléfono: 03 86 18 02 90

Musée d'Art et d'Historie:

Dirección: Misma que la Abadía

Horarios de visita:
Del 1 de Octubre al 30 de Abril: 10:00-12:00 y 14:00-17:00
Del 1 de Mayo al 30 de Septiembre: 10:00-12:00 y 14:00-18:30
Lunes, martes y festivos cerrado

Musée Leblanc-Duvernoy:

Dirección: 9 bis, rue de Ègleny, Auxerre

Horarios de visita: todo el año, de 14:00-18:00
Martes cerrado.

Teléfono: 03 86 52 44 63

Capilla de la Visitadoras:

Dirección: 98, rue de Paris, Auxerre

Horarios de visita: 
Del 1 de Julio al 30 de Septiembre: 14:00-18:00 (sólo en periodo estival)
Lunes y martes cerrado


Enlaces de interés:


No hemos terminado con Auxerre, ciudad a la que volveremos más adelante en esta serie. En cualquier caso, en el siguiente artículo hablaremos de la otra construcción carolingia importante de la Borgoña.